NIKA NEELOVA
ARTIST STATEMENT
Utilizzando spesso materiali architettonici di recupero, Nika Neelova è interessata al modo in cui i materiali e l'architettura influenzano il nostro senso del tempo e del luogo. Aggirando i mezzi diretti di fabbricazione, il suo lavoro si preoccupa di trovare modi per recuperare e rivelare informazioni già presenti e le molteplicità di storie nascoste al loro interno, come un modo per trovare e immaginare prove del passato umano attraverso cose inanimate. Le sculture sono spesso create impiegando tattiche di "archeologia inversa" - considerando una lettura alternativa della storia umana esaminando oggetti trovati e detriti architettonici, e trasformandoli al di là della loro funzionalità. In queste opere il corpo umano e il tatto rimangono come memoria vestigiale.
Tracciando archi di tempo e discipline diverse, le sculture fanno parte di cicli più ampi, temporaneamente arrestati nella loro forma attuale. Neelova attribuisce grande importanza alle trasformazioni materiali, spesso ispirate dalla potenza latente immanente nei materiali. Le sculture sono spesso incentrate sulle conversioni coinvolte nella traduzione di oggetti esistenti in altri mezzi, decodificando e ricodificando i loro scopi, mettendo in atto i processi utilizzati per plasmarli, alterando le loro strutture interne e liberando gli oggetti dal loro significato. La materia precede l'oggetto, nonostante sia inevitabilmente legata ad esso, e i processi che Neelova prende in prestito e amplifica per dare forma all'opera, siano essi entropici, chimici o manuali, sono di solito processi che hanno precedentemente influenzato la materia in modo naturale.
Le sue installazioni sono spesso concepite come siti archeologici speculativi, che portano alla luce vari detriti e materiali di recupero da ambienti vissuti, conciliando oggetti quotidiani riconoscibili con meditazioni sui flussi geologici e sul tempo profondo. Ciò si manifesta in opere in bilico tra l'organico e il sintetico, tra il passato collettivo ricordato e il tentativo di intravedere il futuro. Gli strati scoperti mettono in luce rovine mutate ed esplorano la fluidità della materia attraverso linee temporali parallele, contraddittorie e disparate. Il suo vasto lavoro, che esplora l'intreccio tra il corpo umano, lo spazio architettonico e la geologia della terra, tocca la catastrofe ecologica in atto e l'antropocene anticipato, bilanciando la tensione tra i corpi umani e gli ambienti creati dall'uomo e la loro struttura di potere intrinseca, compresa ma potenzialmente mutata.
BIO
Nika Neelova vive e lavora a Londra, dove ha conseguito un master alla Slade School of Art, dopo essersi laureata alla Royal Art Academy, KABK. Le sue opere sono state esposte nel Regno Unito e a livello internazionale;
Mostre Personali
"Very Like a Whale" al Santorini Museum in Grecia (2023);
"Thaw" alla Noire Gallery di Torino (2023);
"One of Many Fragments" al New Art Centre, Roche Court (2021);
"Silt" al Brighton CCA (2021), CELINE Art Project curato da Hedi Slimane per Celine London (2021);
"[ъ] [ы] [ь]" al Garage MCA (2021);
"Ever" al The Tetley, Leeds (2019);
Mostre Collettive
"(Everything) is not what it seems" a cura di Mara Ambrosic per il Piran Coastal Galleries Museum (2023) e NITJA museum, Oslo (2022);
"From Birth to Earth, Parafin, Londra (2023),
"Frieze Allied Editions" (2021);
"Her Dark Materials" a cura di Philly Adams (2021);
"Art Newspaper 40th Anniversary project" (2021);
"She Sees the Shadows" a cura di Olivia Leahy e Adam Carr per DRAF & Mostyn museum, Galles (2018),
"Seventeen. The Age of Nymphs" a cura di Daria Khan per Mimosa House, Londra (2017),
"Theatre of the Absurd", Green Art Gallery, Dubai (2017).
Nika Neelova ha ricevuto il Kenneth Armitage Young Sculptor Prize, il Land Security Prize Award, il Royal British Society of Sculptors Bursary Award ed è stata la vincitrice del Saatchi New Sensations. Nel 2017 Neelova ha frequentato un programma di studio alternativo organizzato dal Wysing Art Centre di Cambridge. Nel 2019 ha ottenuto la sovvenzione dell'Arts Council National Lottery Grant per sostenere lo sviluppo della sua pratica.
Nika Neelova si è fatta conoscere per le sue sculture e installazioni scultoree di grandi dimensioni, raffiguranti ambienti complessi e immaginari che suggeriscono un luogo o un paesaggio fuori dal tempo. Ha partecipato a numerose residenze e il suo lavoro è rappresentato in varie collezioni pubbliche e private a livello internazionale.
... and their phantoms, 2023-2024
Fossilised shark teeth set in clay, oil paint
Images courtesy the artist and Noire Gallery
Gli steli delle rose mozzati sono costituiti da denti di squalo fossilizzati, alcuni di specie estinte risalenti a
oltre 30 milioni di anni fa, incastonati nell'argilla indurita, collegando così la futilità e la breve durata dei
fiori con le vaste temporalità del tempo profondo. La rosa, come la conosciamo, risale almeno all'epoca
dell'Oligocene (da circa trentatré a ventitré milioni di anni fa). Nelle civiltà antiche le rose erano associate
a varie divinità, ampiamente utilizzate per adornare i templi, apparivano anche negli ornamenti, nei
cosmetici e nella cucina. La rosa acquisì un simbolismo e connotazioni religiose più forti durante il
Medioevo, in particolare nella tradizione pittorica e nell'architettura gotica. Un notevole esempio
medievale è la Rose d’Or del 1330 di Minucchio Jacobi da Siena che può essere vista al Musée Cluny a
Parigi. Questa delicata rosa è composta da sottili pezzetti di foglia d'oro che formano steli, petali e
fogliame. Senza spine, la rosa è un'evocazione del Paradiso. Le più antiche testimonianze conosciute di
denti di squalo fossilizzati provengono da Plinio il Vecchio, il quale credeva che questi oggetti triangolari
cadessero dal cielo durante le eclissi lunari. Secondo i resoconti rinascimentali, si credeva che grandi
denti fossili triangolari trovati spesso incastonati in formazioni rocciose fossero lingue pietrificate di
draghi e serpenti e quindi venivano chiamati "pietre della lingua" che si pensava comunemente fossero un
rimedio per vari veleni e tossine; venivano usati nel trattamento dei morsi di serpente. Il titolo dell'opera
fa riferimento a "Some Roses and Their Phantoms" (1952), un dipinto di Dorothea Tanning, in cui
trasforma l'idea di domesticità introducendo una natura morta di rose che mutano in forme misteriose e
antropomorfe. Le rose, che ricordano creature senza nome simili a insetti, sembrano moltiplicarsi e
convergere con i loro fantasmi. Tanning ha scritto del dipinto “Qui alcune rose da un giardino molto
diverso si siedono?, giacciono?, stanno in piedi?, sussultano?, sognano?, muoiono? […] Mentre li vedevo
prendere forma sulla tela rimasi stupita dai loro colori solenni e dal loro silenzioso mistero che
richiedevano – o sembravano richiedere – una sorta di fantasmi. Quindi ho provato a dare loro i loro
fantasmi e la loro natura morta”. Allo stesso modo, le rose decapitate, nostalgiche della loro antica
completezza, ci ricordano con la loro presenza spettrale fiori morti, antiche piante pietrificate, uno strano
manufatto archeologico o una formazione scheletrica sconosciuta.